ВАСНЕЦОВ,Аполлинарий Михайлович, живописец, сын священника, брат В.М. Васнецова, род. в 1856 г. в с. Рябовском Вятской губ., 9 лет поступил в вятское духовное училище, по окончании его в 1872 г. переехал в СПб. к старшему брату.
В. предполагал поступить в академию художеств, но это не осуществилось. В Петербурге В. примкнул к кружку передвижников и вошел в общение с Репиным, Шишкиным и Куинжи. Увлечение народничеством отвлекло В. от области искусства. Он сдал экзамен на учителя и поступил в школу в Вятке. Неудачи и расстройство здоровья заставили В. бросить учительство, и после непродолжительного занятия литературою В. снова и теперь окончательно обратился к живописи.
В 1885 г. появившийся на выставке передвижников “Серенький день” был приобретен Третьяковскою галлереею. С этого времени В. отдается изучению русского пейзажа.
В 1880 – 90 годах он часто совершает поездки по России и пережитые им настроения выражает в картинах.
В них он пластически и цельно передает могучую угрюмую природу уральской тайги, берегов Камы, свежее бодрое утро, затерявшуюся тихую обитель,осененное мрачными кипарисами полное элегии кладбище в Крыму.
В конце 1890 годов от современного пейзажа В. переходит к пейзажу историческому. Упорным ,внимательным изучением он накопляет богатый запас образов, уходит в прошлое, переживает его и претворенное воплощает в целую картину. Больше всего В-а притягивает к себе старая Москва. В своих оригинально прочувствованных и умно скомпонованных  картинах В. любовно воскрешает допетровскую Москву с её кривыми улицами,вымощенными бревнами, с захолустными уголками у стен Скородома,с боярскими дворами, с базарами, полными люда, с крестцами, сосредоточившими весь калейдоскоп московской жизни, с Кремлем,чинным и величавым.
С 1900 г. В. состоит преподавателем пейзажа в Московском училище живописи,ваяния и зодчества. Теоретические воззрения на искусство В. высказал в книге “Художество- опыт анализа понятий, определяющих искусство живописи” (1908).

(по данным энц. словаря Рус. Библиограф. Общ.)

Живопись и графика
Изображения, прошедшие сквозь века и современная живопись. Великие художники.
--------------------------------------------------------------------------------
------
Т.к. судя по названию (см. выше) и отсутствии оживления в этой части форума,я принял свое решение поскидывать биографии,согласно заявленной теме форума.Также возможно опубликую историю живописи.

ну в Википедии что ли посмотрите.... 
полно же интернет-энциклопедий и словарей

мне очень нравятся японские гравюры
УКИЁ-Э — направление в изобразительном искусстве Японии, получившее развитие с периода Эдо (1600–1868). 

Слово «укиё» в древности обозначало одну из буддийских категорий и могло переводиться как «бренный изменчивый мир». В конце ХVII в. укиё стало обозначать мир земных радостей и наслаждений. Укиё-э — картины повседневной жизни городского сословия периода Эдо.

Техника ксилографии, или печати с деревянных досок, появилась в Японии еще в период Хэйан (794–1185) вместе с распространением буддизма. Техника печати с деревянных досок вначале использовалась при изготовлении черно-белых оттисков с изображениями различных буддийских святых и при иллюстрировании текста сутр.

Начало ХVII в. характеризуется появлением иллюстрированных ксилографических книг, издававшихся массовыми тиражами. В этих изданиях текст и иллюстрации печатались черным цветом.

Первые станковые гравюры были также черно-белыми, потом их начали слегка подкрашивать от руки киноварью (тан-э), позднее гравюры подкрашивались тёмно-красной краской (бэни-э) или оттенялись черной плотной краской, что создавало эффект покрытия черным лаком (уруси-э). Первые оттиски с использованием красного цвета (бэнидзури-э) появились в середине XVIII в. Постепенно число досок для цветной печати увеличивалось, и в 1765 г. появились первые многоцветные гравюры, получившие название «парчовые картины» (нисики-э).

Возникшая в XVII в. в среде набиравшего силу третьего сословия, менее скованная канонами, чем живопись, гравюра была наиболее массовым и доступным для горожан видом искусства. Темами для гравюр укиё-э зачастую являлись сюжеты жанровых рассказов укиё-дзоси, пьес театра Кабуки, классической и современной поэзиИ.

В процессе создания гравюры укиё-э участвовали художник, резчик и печатник. Важную роль играл издатель, изучавший спрос и определявший тираж. Зачастую именно он задавал тему гравюры и влиял на характер издания.

Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. Художник делал контурный рисунок тушью на тонкой, прозрачной бумаге. Гравер, наклеив рисунок лицевой стороной на доску из вишни, груши или самшита, вырезал первую печатную форму. Затем делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник, обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру.

Коллективный метод работы художника, резчика и печатника, узкая специализация мастеров, цеховая организация процесса обусловили своеобразие японской ксилографии.

Развитие японской ксилографии определялось несколькими ведущими школами — династиями: их основатели как бы формировали свой стиль, в русле которого работали ученики и последователи (династии Тории, Кайгэцудо, Кацукава, Утагава).

Но были и выдающиеся мастера, творчество которых не вписывается в рамки какой-либо династии и стоит особняком, обозначая яркие вехи в истории японской гравюры (Судзуки Харунобу, Китагава Утамаро, Тосюсай Сяраку, Кацусика Хокусай, Андо (Утагава) Хиросигэ).

Первым крупным художником японской ксилографии стал Xисикава Моронобу (1631–1694), создавший значительное количество ксилографических альбомов. С его именем связано становление жанра бидзинга (изображение красавиц).

В конце ХVII — начале ХVIII в. на первое место в искусстве укиё-э выдвигается династия Тории, ее глава — Тории Киёнобу (1664–1729). Главная тема художников династии Тории — театр Кабуки — находит воплощение в гравюрах с изображениями актеров (якуся-э), других видах ксилографических изданий, связанных с театром (афиши, программки спектаклей). Художники династии Тории активно используют нововведения в технике ксилографии (бэни-э и уруси-э). Из учеников Тории Киёнобу наиболее известны Тории Киёмасу (1697–?) и Тории Киёмицу (1735–1785).

В первой половине ХVIII в. одной из крупнейших школ живописи укиё-э стала династия Кайгэцудо во главе с Андо Кайгэцудо (1671–1743). Мастера этой школы создавали живописные портреты куртизанок в полный рост в ярких красочных костюмах. Это были изображения, служившие своего рода рекламой знаменитых красавиц, популярных обитательниц «веселых кварталов». Гравюр Андо Кайгэцудо не сохранилось. Среди последователей Кайгэцудо Андо наиболее известны Кайгэцудо Анти, Кайгэцудо Дохан, Кайгэцудо Досин.

Художник Окумура Масанобу (1686–1764), прозванный Гэнроку, был не только известным художником, но и популярным издателем книг и альбомов. Он активно внедрял цветную печать — в противовес подкраске от руки. Среди других его новвовведений в укиё-э — хасира-э (гравюры узкого и длинного формата), уки-э (композиционный прием в живописи и гравюре, позволявший изображать пространство в перспективе).

Создателем метода печати многоцветной гравюры был Судзуки Харунобу (1725–1770). Начав с печати с трех-четырех форм, Харунобу затем увеличил число досок до 7–9, а также стал активно использовать различные возможности техники: тиснение по влажной бумаге, печать золотым и серебряным порошком.

Введение новых, более сложных и дорогостоящих техник объяснялось возникновением моды на специальные гравюры суримоно, выпускавшиеся небольшим тиражом для узкого круга любителей к различным датам или специально к Новому году. Для суримоно использовались более плотная и дорогая бумага, дорогие пигменты. Кроме суримоно, Харунобу ввел в обиход специальные календарные гравюры экоёми.

Харунобу создает особый тип изображения красавиц. На смену величавым и статным красавицам Кайгэцудо и Масанобу приходят хрупкие юные девушки, почти подростки, необычайно трогательные и грациозные. Атмосфера доверительности, камерности характерна для всех произведений Судзуки Харунобу.

Основатель династии Кацукава — Кацукава Сюнсё (1726–1793), развивая жанр театральной гравюры, вводит в обиход два ее типа: первый — парадные портреты актеров в статичных позах на фоне театральных занавесов и второй — актеры в гримерных комнатах, в интимной обстановке, не предназначенной для посторонних глаз. Попытка рассмотреть под маской внутренний мир актера характерна и для других мастеров династии Кацукава (Кацукава Сюнтё, Кацукава Сюнэй), и их современников (Иппицусай Бунтё).

В конце XVIII в. гравюра укиё-э достигла своего расцвета. Она заменяла в небогатых домах дорогостоящую живопись, широко использовалась для иллюстрирования книг, оформления календарей и театральных афиш, рекламы и поздравительных текстов.

Сложились разнообразные жанры этого искусства: бидзинга — изображение красавиц из «веселых кварталов»; Якуся-э — театральная гравюра; муся-э — исторические сюжеты; суримоно — поздравительные карточки к Новому году, свадьбам, юбилеям и другим праздникам; катёга — изображение цветов и птиц; фукэйга — пейзажная гравюра, получившая широкое распространение в первой половине XIX в.

Все большую популярность в конце XVIII — начале XIX в. приобретают альбомы и отдельные серии гравюр на эротические темы (сюнга). Как правило, подобные гравюры издавались анонимно, художники не рисковали их подписывать.

Особое место в истории японской ксилографии занимает творчество последнего яркого представителя династии Тории — Тории Киёнага (1752–1815). Как и все художники династии Тории, Киёнага начинал с театральной гравюры, но лучшие и самые известные его работы выполнены в жанре бидзинга. Киёнага часто использует полиптихи (из трех и более листов), делая своеобразную попытку вернуться к традиционной для дальневосточной живописи форме горизонтальных свитков. Его излюбленные композиционные схемы — многофигурные шествия куртизанок.

Самый знаменитый последователь Киёнага, во многом определивший особенности японской классической ксилографии периода ее расцвета, — Китагава Утамаро (1753–1806). Главная тема творчества Утамаро — жизнь обитательниц «веселых кварталов». Не без оснований именуясь «певцом женской красоты», Китагава Утамаро вводит в укиё-э тип больших погрудных портретов окуби-э, в которых старается передать различные эмоциональные переживания своих героинь.

Особняком в истории японской гравюры стоит творчество Тосюсая Сяраку (работал в 1794–1795 гг.). В течение десяти месяцев выходит более 140 театральных гравюр этого художника — портретов актеров театра Кабуки в различных ролях. Все его работы отмечены высоким мастерством. Острая характерность, граничащая с гротеском, сознательное искажение пропорций фигур, жестов, черт лица придают его персонажам необычайную выразительность.

Одной из наиболее известных школ японской гравюры в XIX в. стала династия Утагава, основанная в конце XVIII в. мастером гравюры жанра уки-э Утагава Тоёхару (1735–1814). Эта разветвленная и многочисленная школа оставила после себя множество живописных и графических работ в различных жанрах, однако основными для нее были все же театральная гравюра и историко-героическая тема.

Утагава Тоёхиро (1773–1829), ученик Тоёхару, специализировался на изображениях красавиц. Утагава Тоёкуни (1769–1825) — один из ведущих мастеров школы Утагава — славился своими театральными гравюрами. Утагава Куниёси (1797–1861) — автор множества серий исторических и героических гравюр, изображавших самураев в батальных сценах.

В 1840-х гг. правительство Японии издает специальные эдикты против роскоши, распространявшиеся и на гравюру. В частности, запрещается использовать дорогие краски при печати, тисненую бумагу и печатать с большого количества досок. К этому времени относится появление гравюр, выполненных в технике монохромной печати аодзури-э, в которой художники добивались множества градаций оттенков синего цвета. Все готовые к печати листы должны были быть удостоверены цензорскими печатями. Художникам запрещалось указывать на гравюрах имена куртизанок и актеров, иллюстрировать исторические события и изображать сцены, содержащие намеки на современные события. Эти ограничения способствовали развитию пейзажного жанра.

Расцвет пейзажного жанра в японской классической ксилографии связан с именами двух великих художников — Кацусика Хокусая (1760–1849) и Андо (Утагава) Хиросигэ (1797–1858).

Хокусай за свою долгую творческую жизнь оставил огромное художественное наследие, включающее 15-томную серию альбомных зарисовок, знаменитую серию гравюр «36 видов Фудзи». Хокусай работал в различных техниках, среди его работ множество набросков тушью, живописные свитки, росписи панно, иллюстрированные альбомы.

В отличие от величественных ландшафтов Хокусая, Утагава Хиросигэ (1797–1858) создал пейзаж, проникнутый тонким лирическим чувством. Наибольшую популярность ему принесла серия гравюр «53 станции Токайдо», выполненная в 1833–1834 гг. Хотя в целом видение мира Хиросигэ более конкретно, чем у Хокусая, он тем не менее остается на зыбкой грани между вымыслом и достоверностью, совмещая в своих композициях грустное очарование с тонкой наблюдательностью.

С появлением первых иностранцев в Японии возникает новый жанр — иокогама-э (изображение представителей различных стран, новых механизмов, домов европейского стиля и т.д.). В середине XIX в. в укиё-э начинают использовать, завезенные из-за границы анилиновые красители, значительно удешевившие и упростившие процесс производства гравюр, но сильно ухудшившие их качество

а! это был Тосюсая Сяраку!
еще один известный японский художник - Андо Хиросигэ - его гравюры:
"Новая Фудзи в Мэгуро 1857"

Хирошигэ. "Ливень над мостом Охаси и местность Атаке" 1857

ТИКАНОБУ "Лепестки на ветру"

"Западный стиль" ТИКАНОБУ

БРЮЛЛОВЫ, семья русских художников. Происхождение этой фамилии следует искать до XVII в. во Франции, где жили протестанты Брюлло (Brullo), переселившиеся после отмены Нантского эдикта в Люнебург.
Отсюда в 1773 г. орнаментный скульптор Георг Брюлло приехал в СПб., чтобы определиться на фарфоровый завод, и с ним внук, Пауль Брюлло, впоследствии академик скульптуры и отец известных художников Карла и Александра Павловичей Брюлловых.
БРЮЛЛОВ, Александр Павлович, заслуженный профессор архитектуры, род. в Петербурге в 1798 г., воспитывался в академии художеств, с 1822 – 29 гг. занимался за границей, главн. обр., в Италии, где долго изучал помпейские древности; в 1829 г. за реставрацию помпейских терм назначен придворн. архитектором, в 1832 г. получил звание профессора архитектуры, ум. в 1877 г.
Им возобновлен Зимний дворец после пожара в 1837 г., перестроен Мраморный дворец, выстроены Михайловский театр в СПб., Пулковская обсерватория и др.
БРЮЛЛОВ, Иван Павлович, младший брат предыдущего, род. в 1814 г., был принят в академию художеств в 1830 г., в 16 лет удивлял учителей ранним развитием своих гениальных способностей в композиции и рисовании вообще, но в 1834 г., 20 лет от роду, умер, оставив только много альбомных рисунков, не менее ценных, чем рисунки брата его Карла.
БРЮЛЛОВ, Карл Павлович, живописец, родился в Петербурге 12 декабря 1799 г. Первые успехи в искусстве Брюллов сделал под руководством отца и 10 лет поступил в академию художеств.
Слабый в науках, Б. вызывал удивление своими успехами в искусстве, проходя строгую школу рисования у Андрея Иванова, Егорова и Шебуева.
В 1821 г. за картину “Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского” Брюллов получил золотую медаль и право на заграничное пенсионерство. Центром заграничного пребывания Брюллова была Италия.
Здесь он писал сцены из римской народной жизни, копировал “Афинскую школу” Рафаэля и по заказу А. Демидова исполнил в 1831 – 33 гг. громадную картину “Последний день Помпеи”. Картина произвела фурор в Италии, была выставлена в Париже и в 1834 г. была привезена в Петербург.
Два года спустя, после путешествия через Афины и Константинополь, Брюллов вернулся через Москву в Петербург и был встречен с необычайной торжественностью, как европейский известный мастер.
С 1836 г. он поселился в Петербурге, был назначен преподавателем академии и стал получать множество заказов как правительственных, так и частных.
Болезнь сердца заставила его уехать на о. Мадейру. Оттуда после некоторого улучшения Б. переехал в Италию, но здесь состояние здоровья его резко ухудшилось, и он умер в Риме 12 ноября 1852 г. Похоронен был на кладбище Монте Тестачио, близ Рима.
Б. написал ряд картин религиозных: “Распятие”, “Взятие Богоматери на небо”,”Св. Троица”,”Спаситель во гробе”, несколько исторических картин: “Смерть Инессы де Кастро”, “Осада Пскова” (неоконченная), несколько жанров из римской и турецкой жизни, несколько аллегорий, значительное число портретов, из которых лучшие – князя А.Голицына, И.А.Крылова и самого художника.
В этих произведениях виден ученик строгих академиков-рисовальщиков. Б. усвоил много хорошего от своих предшественников, но и внес много нового, внес жизнь и движение, чего недоставало его учителям.
Романтик по темпераменту и натуре, Б. первый в русском искусстве показал новое направление и при своем блестящем таланте и изумительной технике вызвал “Последним днем Помпеи” взрыв восторга у современников.
Но когда восторг стих и романтизм сменился реализмом, Б. подвергся критике, и несколько односторонней. Тогда стали указывать, что его религиозные картины, исполненные по заказу, в духе болонской школы, повторяют старые академические образцы и лишены высокого одушевления и религиозного настроения; что его исторические картины страдают недостатк. историчности, мелодраматизмом и театральностью; что его аллегории искусственны; что жанры мало содержательны.
Но подчеркивая недостатки, критика забыла отметить, что у Б. всюду разбросано много талантливости, силы, виртуозности, остроумия, что в полном блеске талант Б. развертывается в портретах. В них превосходный рисунок и колорит, простота и близость к действительности, сила лепки и рельеф; в них правдивое понимание характеров и мастерская передача натуры.
Б. важен тем, что он одним ударом своей бравурной кисти сразил навсегда мертвенность и холод старой школы, открыл простор и свободу творчеству, разбудил зрителя и художника и один из первых начал приучать их к требованию жизни и натуры вместо условности.
Эффектность письма, аффектация чувств, внесенная Б-ом в русскую живопись, как элементы романтизма, были необходимы и, совершив свое дело оппозиции против старого классицизма, исчезли. Но совершенство письма, рисунок, мастерство лепки и освещения, добросовестное изучение натуры, на что так сильно напирал Б. в беседах и наставлениях своим ученикам,- все это было наследием, которым обновленная русская живопись жила долго после Б.
Большая часть произведений Б. ныне находится в музее имп. Александра III в Петербурге.

О Б.: Стасов В., “Русский Вестник” 1861 г., т. XXXV; Сомов А.,”Б. и его значение в русск. искусстве” (2 изд. 1899); Деларов П., “Б. и его знач. в истор. живописи”(“Иск. и худож. промышл.” 1899 г., №15); Бенуа А., “К.П.Б-в” (“Мир иск.”, 1900,№1-2); Кубасов, “Архив Б-вых” 1900 г. Альбом выставки по случаю столетия со дня рождения К.П.Б-ва.

БРЮЛЛОВ, Павел Александрович, пейзажист, сын А.П. Б-ва, род. в 1840 г., учился в СПб. университете, где в 1863 г. окончил курс кандидатом физико-матем. факультета; первое произведение его по живописи “После работы” явилось на академич.выставке 1870 г. и удостоено большой поощрительной медали.
В 1874 г. Б. удостоен звания классног художника по архитектуре. Главные произведения его: “Весна”,”Прошлое лето”,”Аллея”, портреты В.Брюллова, Кавелина и др.
БРЮЛЛОВ, Федор Павлович, старший брат А.П.Б-ва, академик исторической живописи, род. в 1793 г. Жанр его – по преимуществу церковная и стенная живопись.
Наиболее известные картины его: “Спаситель в темнице” (в академ. церкви в СПб.), “Архангелы” (там же, на боковых дверях иконостаса); иконостас в Парголовской церкви. Ум. в 1869 г.

(по данным энциклопед. библиографич. общества XIX в.)

Армагеддон.